Wednesday, July 31, 2019

Darum geht es mir immer – um das Merkwürdige

10:05:00 PM

Ein Beitrag von: Max Kling

Der Straßenfotograf Max Klingt aus dem Rhein-Main-Gebiet verrät uns heute, warum Frankfurt auch nach Jahren immer noch eine spannende Kulisse ist und warum ihn merkwürdige Geschichten faszinieren.

Max, erzähl uns etwas über Dich. Wer bist Du und was machst Du so?

Seit Mitte der Neunziger lebe ich im Rhein-Main-Gebiet und arbeite als Berater in Werbung und Marketing. Schon seinerzeit war AGFA mein liebster Kunde und passte gut zu meiner Leidenschaft für Fotografie. Meine eigene Schwarz-Weiß-Fotografie habe ich aber mit Ilford-Material gemacht. Damals standen historische Rennsport-Projekte wie die Mille Miglia, Oldtimer-Grandprix etc. im Fokus.

Veröffentlicht habe ich die Projekte in amerikanischen und deutschen Zeitschriften. Hinzu kam ein Nachwuchsförderpreis für Fotografie, den ich mehrere Jahre mit verantwortete und organisierte. 2016 kam ich dann durch Zufall in Kontakt mit einigen US-amerikanischen Straßenfotografen, die in New York und Philadelphia arbeiteten. Das war Inspiration und Auslöser, mich nach Jahren der fotografischen Abstinenz mit dem Thema Straßenfotografie auseinanderzusetzen.

Das Gefühl, das kann ich, das will ich, das muss ich, das mach ich und zwar hier in Frankfurt, begann mich vollständig einzunehmen. In Japan habe ich dann eine gebrauchte Ricoh GRD gekauft und einfach angefangen. Alles ging dann relativ schnell, erste kleine Ausstellungen und Veröffentlichungen und Menschen, die Geld für meine Bilder ausgeben. Aber neben all dem ist das Wichtigste für mich, zu spüren, dass mein Herz klopft, wenn ich mich mit Fotografie beschäftige. Dann weiß ich, dass ich das Richtige tue.

Mann vor WerbeanzeigeStraßenaufnahme mit Pfeilen am Boden

Wie würdest Du Deinen fotografischen Stil beschreiben?

Es geht mir nie darum, einfach nur das Leben abzubilden. Irgendwelche Menschen, die irgendwo langlaufen oder irgendetwas tun, interessieren mich nicht. Irgendwelche Gebäude auch nicht. Spannend wird es für mich, wenn das Bild einen guten Aufbau hat und mir die Situation zusätzlich eine Geschichte erzählt, meiner Fantasie einen Schubs verpasst.

Auch wenn ich immer wieder feststelle, dass ich die größte Resonanz und auch die meisten Anfragen nach Bildern bekomme, auf denen die Architektur der Stadt die Hauptrolle spielt, so sind es doch die Menschen, die mich interessieren. Nah ran, den richtigen Moment erahnen, schnell und mutig sein.

Es gibt aber auch Bilder von Frankfurt von mir, die gerade durch das Fehlen der Menschen lebendig werden. Straßen, die nie, nie, nie leer sind – aber auf dem Bild schon. Dann kommt auch da etwas Merkwürdiges ins Spiel.

Ich denke, darum geht es mir immer – um das Merkwürdige. Das suche ich und versuche, es festzuhalten. Dabei hilft mir die Ricoh. Festbrennweite, weitwinkelig – Du musst nah heran. Meine Bilder sind dicht, kontrastreich, körnig, rau und ich hoffe, merkwürdig.

Straßenaufnahme mit Überlagerung

Du fotografierst ausschließlich in Frankfurt?

Nicht ausschließlich, aber schwerpunktmäßig, da ich hier lebe, die Stadt kenne und hier viel unterwegs bin. Aber man muss natürlich auch sagen, dass Frankfurt sehr, sehr viel visuelles Potenzial bietet. Große Vielfalt und Kontraste. In allem. In den Strukturen, den Menschen, den Situationen. Situationen entstehen immer und überall, oft unerwartet und spontan.

„Elsewhere“ nenne ich die Bilder, die mir auf Reisen und außerhalb Frankfurts begegnen. Dazu habe ich die Ricoh immer in der Tasche. Doch ich verfolge auch gezielt Projekte, die in Frankfurt gar nicht möglich wären. Beispielsweise bin ich in meinem Projekt „Second Life“ jeden Spätsommer gezielt im Umland unterwegs. Dort beschäftige ich mich mit der merkwürdigen Welt der dörflichen Kerwe, Kerb, Kirchweih, Kirmes, Kier oder wie auch immer die Feste im regionalen Zungenschlag genannt werden.

Hier, bewusst ganz ohne Menschen. Parallelwelt. Frühmorgens, wenn die Buden noch zu und die Menschen zu Hause im Bett sind. Oder wenn die Buden gerade aufgebaut werden. Dieses Projekt wäre in Frankfurt allein gar nicht möglich.

Mann hinter einer durchsichtigen TürStraßenaufnahme mit Spiegelung

Würde sich Deine Bildsprache in einer anderen Stadt verändern?

Ja und nein. Die Sujets und Inhalte der Bilder sind definitiv abhängig von Stadt, Land und Fluss. Die Architektur, die Menschen, das Leben, die Situationen geben den Takt vor. Und der ist überall anders. Das hat natürlich Einfluss auf Art und Inhalt der entstehenden Fotografie. In Frankfurt bin ich zwar auch immer wieder überrascht, was geschieht und entsteht, aber ich bin vorbereitet. Intuition und fotografischer Instinkt haben hier eine breite Basis.

Was sich definitiv nicht verändern würde, ist das sehr nahe Herangehen, die hohen Kontraste, die Fokussierung auf die besonderen, merkwürdigen Situationen und die gut komponierten Bildaufbauten.

Kirmeswagen in einer Wohngegend

Du bleibst der klassischen Straßenfotografie treu und fotografierst Deine Projekte in schwarzweiß. Warum kommt Farbe für Dich nicht in Frage?

Ich bin immer beeindruckt, was Kollegen in Farbe zaubern. Die Vielfalt der farblichen Ausdrucksmöglichkeiten ist enorm. Ich finde beispielsweise den brachialen Naturalismus eines Martin Parr großartig, den Stil von Joel Meyerowitz extrem inspirierend und die farbigen Arbeiten von Saul Leiter umwerfend, um nur einige der Großen zu nennen.

Ich selbst bin von Zeit zu Zeit auch immer wieder versucht und experimentiere in Richtung Farbfotografie. Letztendlich sind es aber immer die Schwarzweißarbeiten, die mich bewegen, mich festhalten und berühren.

Ich muss die Alltäglichkeit mit anderen Augen sehen. Und ich möchte, dass die Menschen, die meine Bilder betrachten, das ebenfalls tun. Denn darin geht es um Szenerien und Momente, wie sie jede*r nahezu täglich sehen kann – tatsächlich aber selten wahrnimmt. All diese Szenerien bleiben ungesehen. Denn unser Blick ist verstellt, unser Geist heute schon im morgen und unser Auge taub von den Nadelstichen der digitalen und farbigen Bilderflut.

Ich möchte, dass meine Bilder dazu beitragen, innezuhalten. Der Verzicht auf Farbe seziert die Normalität urbanen Lebens und gibt uns Zeit, eigene Gedanken und Geschichten darin zu entwickeln. Der Verzicht auf Farbe reduziert das Übliche auf das Wesentliche. Der Mensch in der Alltäglichkeit seines Seins und Tuns – Schwarz und Weiß, Licht und Schatten, Kontraste und Strukturen. Darum geht es mir.

Treppenhaus mit Blick nach draußen

Welche kleinen und großen Erfolge konntest Du mit Deinen Arbeiten bisher erreichen?

Ich beackere das Feld der Straßenfotografie erst seit zwei Jahren. Neben Auszeichnungen auf diversen Fotografieplattformen im Netz und einer Veröffentlichung im April 2018 im EYE-Magazin gab es bislang einige Ausstellungen und Top-Ten-Platzierungen bei Wettbewerben. Aktuell habe ich eine Anfrage einer Bank nach mehreren Bildern und ich verkaufe kontinuierlich Bilder an private Sammler. Da gibt es auch schon einige Stammkund*innen, was mich sehr freut.

Gibt es ein Bild, das in einem besonderen Moment entstanden ist und an das Du Dich jetzt spontan erinnerst? Was hat es damit auf sich?

Puh, so viele Bilder, so viele Geschichten. Schwer, sich zu entscheiden. Ich nehme mal dieses, weil es auch symptomatisch für das Thema Straßenfotografie ist.

Mann sitzt vor einem Plakat mit Schwimmerin

„Water Love“, entstanden im März 2017 in der Braubachstraße in Frankfurt.

Am Fotografie Forum Frankfurt war mir ein Plakat aufgefallen. Es handelte sich dabei um eine Fotografie von Lurdes R. Basoli. Mein Plan war, eine Situation einzufangen, in der Passant*innen mit dem Plakat interagieren. Also fuhr ich hin.

Als ich dort ankam, sah ich schon von weitem einen Arbeiter davor sitzen. Oh Mann, dachte ich, geh weg, ich will hier fotografieren. Tat er aber nicht. Er saß da, rauchte und beschäftigte sich mit seinem Smartphone. Um die Zeit zu überbrücken, machte ich ein paar Schüsse aus verschiedenen Perspektiven. Das ging etwa zehn Minuten so. Dann stand er auf und ging – ohne mich überhaupt bemerkt zu haben. Gut, dachte ich, jetzt kann’s ja losgehen. Und ich konnte „endlich“ damit beginnen, meinen Plan in die Tat umzusetzen.

Ungefähr eine Dreiviertelstunde lang fotografierte ich die unterschiedlichsten Szenerien und Kombinationen. Menschen mit und ohne Schirm, Asiat*innen, Europäer*innen, Menschen beim Laufen, Schauen, Stolpern – alles. Gut, dachte ich. Schöne Sachen dabei. Und ging.

Beim Sichten und Entwickeln der Bilder gab es dann die Überraschung. Es gab ein Bild, das aus allen anderen hervorstach: „Water Love“. Es war das erste Bild, das ich an diesem Tag aufgenommen hatte. Und zwar in den zehn Minuten, als ich ja eigentlich noch gar nicht begonnen hatte zu fotografieren, sondern nur wartete.

Die Spannung in diesem Bild fasziniert mich bis heute. Der Arbeiter, der die Schwimmerin hinter ihm offenbar gar nicht bemerkt, versunken in seine virtuelle Welt. Die Schwimmerin, die eigentlich gedruckte, tote Materie ist und trotzdem ganz lebendig mit den Betrachtenden kommuniziert, ihnen zuzuzwinkern scheint.

Jede*r sieht in diesem Bild etwas anderes. Auf einer Vernissage sprach mich ein sehr sympathischer, junger Mann an und erzählte mir, dass er vor ein paar Jahren als Bootsflüchtling aus Syrien nach Deutschland kam. Dieses Bild berühre ihn sehr. Er sah darin die ganze, aktuelle Geschichte und Situation seines Volkes und die Europäer*innen, die den Menschen, die über das Wasser kommen, den Rücken zukehren.

Und ich? Ich habe eigentlich nur gewartet. Gewartet, bis ich das Bild machen konnte, das ich im Kopf hatte. Und dabei habe ich dann ein ganz anderes gemacht. Vielleicht würde ich die Situation heute schneller erkennen, anders einschätzen, aktiver damit umgehen. Ob dadurch aber ein besseres Bild entstehen würde, weiß ich nicht.

Vieles was hier passierte, steht ganz ursächlich für meine Auffassung von Straßenfotografie. Du hast einen groben Plan im Kopf, irgendeine Idee. Und auf dem Weg zu dieser Idee geschehen ganz viele, unvorhersehbare Dinge. Ab hier spielen dann Intuition, Erfahrung und das ganze inhalierte Wissen um Bilder, Komposition, Licht, Kontraste, Strukturen und Geschichte die Hauptrolle. Wenn das zusammenkommt und noch eine Prise Glück im Spiel ist, dann entsteht ein gutes Bild.

Mann in der U-Bahn

Welchen Tipp kannst Du Gästen Frankfurts in Sachen Straßenfotografie mitgeben?

Wie immer: Treibt Euch herum, assimiliert Euch, macht Euch unsichtbar. U-Bahnfahren hilft. Dort entstehen oft schon gute Situationen und es sind sehr viele unterschiedliche Menschen ganz automatisch dicht an Euch dran. Außerdem kommt Ihr so schnell von einem Ort zum anderen. Nutzt die unterschiedlichen Strukturen, Texturen, Architekturen – Frankfurt ist voll davon. Ich persönlich beziehe gern Plakate, Typografie oder Schilder in meine Bilder mit ein.

Gutes Schuhwerk, Ersatzbatterien und Speicherkarten – und los geht’s. Wenn es dunkel wird, nicht aufhören! Jetzt geht’s erst richtig los. Wer noch nicht da war, kann abends einfach mal ins Bahnhofsviertel gehen. Es gibt viel Licht und viele Kontraste. Auch wenn vieles schon fotografiert ist, findet man immer wieder Situationen und Stellen, die in der Form noch keiner aufgenommen hat.

Frau sieht aus dem Fenster eines Ladens

Was, wen oder wo würdest Du gern mal fotografieren?

Immer dort, wo es lebendig und für unser europäisches Auge merkwürdig ist. Klassisch also natürlich New York und andere amerikanische Städte, aber auch Asien, Tokyo, Hongkong, etc. Vor allem die Nächte dort finde ich spannend und auch da wieder die urbane und fremde Typografie als Teil des Motivs.

Herzlichen Dank für dieses Interview Max, vielleicht begegnen wir uns eines Tages in den Großstädten dieser Welt.

Das Interview erschien bereits im Magazin Soul of Street. Wir veröffentlichen es mit freundlicher Genehmigung.


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31. Juli 2019

4:02:00 AM

Das Bild des Tages von: Milan Vopalensky


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Wildlife Photography: How to capture stunning Back-lit Photos

3:39:00 AM

A photographer’s development can be split very easily into two halves. The first half is when the learning curve is the steepest – where you try to come to terms with the basics of exposure, metering, auto-focus, etc. Once that initial hurdle is overcome, things tend to take different paths for different photographers. When you start capturing wildlife photos, for example. you always worry about getting sharp images.

The second half of development is where you are comfortable with your gear and you start noticing and improving on the background. I think once this stage is conquered, the next one is the fun stage. This is the point where you have the urge to break all rules.

One of the top-most rules to be broken is placing the source of light behind your shoulder when capturing wildlife photos.

Take a look at the first sketch below:

Sketch #1: Front lit Wildlife Photos

Sketch #1: Front lit Wildlife Photos

This is how all of us have clicked and still do for most of our wildlife photos. After all, the exposure for this scenario is quite easy as everything is evenly lit in most cases.

Lets look at something diametrically opposite of this. In the following sketch, the source of light is directly opposite. It’s behind the subject instead of behind the photographer.

Sketch #2: Back lit Wildlife Photos

Sketch #2: Back-lit Wildlife Photos

This is what shooting into the light to create back-lit wildlife photos is all about. Its challenging in terms of controlling the exposure, it’s challenging in terms of controlling the focus, but it is mighty rewarding once you get the hang of it. Believe me, after a certain point of trying it, it’s addictive.

Take a look at the following image. The photographer positioned himself in such a way that the source of light (in this case, the sun) was behind his shoulder. There is beautiful light on the subject. Most of the light on the subject is being reflected onto the camera. It looks absolutely regal, doesn’t it?

  • Image #1: Front Lit Wildlife Photo

Now take a look at the next image (Image #2). It is the same subject but in this case, the photographer chose a different position. Slightly rim-lit, this one clearly holds the edge. It clearly shows the photographer’s perspective.

  • Image #2: Back-lit Wildlife Photo

For Image #2, the light is coming in from behind the subject and almost directly into the camera. The result is an image dominated by the warm light and that, with the correct angle of the sun, shows the rim of the subject lit-up.

This way of shooting is called shooting into the light, where the photographer is positioned such that the source of light is behind the subject. It’s a challenging style in terms of focusing and metering but, once you get it right, it’s an absolute gem.

Lets take a look at the steps needed to achieve this.

Step 1 – Exposure

When you shoot into the light, most of the time the camera exposure meter is fooled by the amount of light coming in. I usually have to play around with the exposure to achieve a desired result. There are three kinds of images that you can make when shooting into the light.

  • Wildlife Photo: Rim Light

  • Wildlife Photo: Silhouette

  • Wildlife Photo: Back Light

  • Rim-lit: This is the result of a darkish background and a little bit of the light bouncing off of the subject’s fur. To enhance the rim-lit effect, a bit of under-exposure helps.
  • Silhouette: This is when the background is the sky/water with a low hanging source of light rendering the subjects black. It can be achieved either with underexposure or exposure-lock on the sky.
  • Back-lit image: These are images where the entire subject is almost decently exposed. The image simply looks different because of the way you use the light. (This blog is more about back-lit images; the rim-lit/silhouettes varieties each warrant their own blog.) The metering depends on the strength of the light coming into your sensor, but I have often found myself underexposing to get the images right under a strong source of light and vice-versa.  Shooting into the light is more of a creative way of looking at things and takes you one step away from being a documentary photographer.

Step 2: Focusing

Probably the toughest parameter of the lot. When you shoot with the sun very low and into the camera, like you often would in this situation, the contrast in the overall scene falls and the camera then struggles to achieve critical focus on the subject. Please note that, in one way or another, all our focus mechanisms work better when the contrast is highest. So, many times you need to help your camera with Manual Focus Assist to lock on.

Unless I am looking specifically for rim-lit, I also use the 3/4th approach. Meaning, I wouldn’t be standing directly opposite to the source of light but slightly off that line. This helps retain more contrast in the entire shot.

Step 3 : Visualize

Wildlife photography by Rahul Sachdev

Back lit lioness by Rahul Sachdev

Shooting into the light does not come naturally, at least when you start. It’s going to take some practice before you can start visualizing the results/images well. The best way, as always, is to put yourself in the locations where it is possible to click into the light. Practice and you’ll soon start loving it.

Step 4 : Take the Shot

Well, you are almost there. There is only one more thing to watch out for. Lens flare. With the sun facing your camera, the chances of having lens flares in your images are high. In these cases, be sure to use the lens hood.

Back lit Wildlife Photography by Rahul Sachdev

Back lit Wildlife Photography by Rahul Sachdev

That’s it. Go ahead and make some different kind of images. Use the light and use it well. It might take a little practice but I would love to see you try this approach.

Feel free to comment and share your images with us.

About Author Rahul Sachdev

My interest in wildlife goes back to my play-school days. I remember having a collection of plastic replicas of wild animals and believe me, that collection used to be as dear as gold to me. The fact that I grew up on stories of Jim Corbett helped a lot as well. I started wildlife photography around 2004. Thats the year when I had a family outing to Ranthambhore national park in India and that trip changed a lot of things for me. I had a Nikon N65 (a film camera) then and a basic 70-300mm lens. I did not make any decent images during that trip, I did not see a tiger on that trip but it definitely served as a trigger for my journey as a wildlife photographer because it made me aware of the sounds and colors of nature like never before.

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Tuesday, July 30, 2019

HOME

10:03:00 PM

Veralssener Raum mit Gräsern

Die Häuser aus der Serie „Home“ stehen im Iran und wurden aufgrund von politischen oder sozialen Konflikten verlassen. Gohar Dashtis Aufnahmen zeigen, was passiert, wenn man sein Zuhause verlässt. Die Kraft der Natur beginnt, die Häuser zurückzuerobern. Die Treppen werden von Schlingpflanzen überwuchert und aus den Dielen bricht ein Blumenmeer.

Wenn ich in meinen Werken über Krieg spreche, bezieht sich das auf den Krieg in der Welt und auch auf meine Erinnerungen an den Krieg, als ich ein Kind war. In meiner Projekt „Home“ geht es dabei nicht nur um eine persönliche Erforschung der Natur, sondern auch darum, wie Natur politisch sein kann. Was passiert mit der Umwelt, wenn die Bevölkerung durch den Krieg vertrieben oder vernichtet wird? Menschen sind vergänglich, während die Natur eine Konstante ist. Sie wird noch lange überdauern, nachdem wir alle weg sind.

Verlassener Raum mit Pflanzen

Verlassener Raum mit Pflanzen

Verlassener Raum mit einem Baum

Verlassene Treppe mit Algen

Verlassener Raum mit Pflanzen

Verlassener Raum mit Moos

Verlassener Raum mit Pflanzen

Gohar Dashti wurde 1980 in Ahvaz im Iran geboren und hat 2005 ihr Studium der Fotografie an der Kunstuniversität Teheran abgeschlossen. Ihre lyrischen Arbeiten sind stark inszeniert und spielen mit den Grenzen zwischen Realität und Fantasie. Im Hintergrund steht dabei immer wieder der Krieg, den sie als Kind erlebt hat.


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30. Juli 2019

4:02:00 AM

Das Bild des Tages von: Felix Wesch


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Soft Photography Filter Case – Only 20 Remaining in Stock!

3:24:00 AM

Packing our gear is always a challenge. We have a lot to carry, so we need to make the most of every square centimeter in our camera bags. Bulky cases take up space that could be used for other purposes – but our filters need to be protected. Several years ago, Varina decided she could make a better filter case than any she’d seen on the market – so she threw together a quick prototype to try out her idea. The prototype worked so well that she never bothered to revise it and make a better one… that is, until students started noticing her design and asking if they could get one.

  • Brand new colors, and our original design.

  • Varina still uses the original prototype – it ain’t pretty, but it works!

In 2013, after a year of searching for the best materials – and finding someone who could sew to exacting specifications – we released our first short run of filter cases. It sold out in 48 hours.

  • We didn’t realize they’d be so popular.

  • Simple, folding design – and pretty colors. 🙂

Now – at long last – we are offering our perfected design once again… but only until we run out (only 20 remaining in stock). It fits photography filters up to 100mm x 125mm. Our soft photography filter case is available in brand new colors – but the design is the same. Get one for yourself!

Simple 100mm photography filter cases designed to keep your filters organized and clean – without taking up unnecessary space in your bag. Smart, Minimalist, Eeffective!

About Author Varina Patel

There is nothing more remarkable to me than the power of nature. It is both cataclysmic and subtle. Slow and continuous erosion by water and wind can create landscapes every bit as astonishing as those shaped by catastrophic events – and minuscule details can be as breathtaking as grand vistas that stretch from one horizon to the other. Nature is incredibly diverse. Burning desert sands and mossy riverbanks… Brilliant sunbeams and fading alpenglow… Silent snowfall and raging summer storms… Each offers a unique opportunity. I am irresistibly drawn to the challenge of finding my next photograph, and mastering the skills required to capture it effectively.

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Monday, July 29, 2019

Reise in die DDR-Vergangenheit meiner Mutter

10:03:00 PM

Ein Beitrag von: Marie Kreibich

Meine Mutter war ein aufgewecktes Kind, das in der ostdeutschen Kleinstadt Pirna aufwuchs und gern durch die malerische Landschaft und Natur der Sächsischen Schweiz streifte. Für sie reichte dieser kleine Fleck Erde damals völlig aus. Mit 18 Jahren verliebte sie sich in meinen Vater und zwei Jahre später heirateten sie.

Doch im Gegensatz zu ihr wollte er die Welt sehen und sich von niemandem etwas vorschreiben lassen. Sie wusste, er würde die DDR verlassen, ob mit ihr oder ohne sie. Im Februar 1989 stellten sie ihren ersten Ausreiseantrag. Nachdem sie die offizielle Ablehnung erhielten, beschlossen sie, ihr Glück selbst in die Hand zu nehmen. Mit dem Zug ging es nach Budapest.

Von dort fuhren sie per Anhalter durch zahlreiche kleine ungarische Dörfer bis nach Nagycenk, dem letzten Ort vor der ungarisch-österreichischen Grenze. Hier versteckten sie sich über mehrere Stunden in einem Gebüsch. Schwarz vermummt, im Rucksack einen Seitenschneider, mit dem sie in den nächsten Stunden mehrere Stacheldrähte durchtrennen sollten.

FrauenportraitHochhaus

Bei Einsetzen der Dämmerung brachen sie schließlich auf. Ohne Kompass oder Landkarte. Ausschließlich die ungefähre Richtung vor Augen – jugendlicher Leichtsinn, würde meine Mutter heute sagen. Bei Gewitter und strömendem Regen durchquerten sie Waldstücke, Weinberge und robbten durch schlammige Erde, die ihnen gleichzeitig Schutz vor patrouillierenden Grenzsoldat*innen bot.

Nach siebenstündiger Flucht erreichten sie, durchnässt und erleichtert, die österreichische Ortschaft Deutschkreutz, die sich nah am Rande des Grenzgebietes befand. Sie waren in dieser Nacht die 25. und 26. geflüchteten Personen, die Deutschkreutz erreichten.

Sie wurden herzlich empfangen und für einige Tage von einer Familie aufgenommen. Meine Mutter bestaunte den hellen Ort mit seinen freundlichen, sorglosen Bewohner*innen und das breite Warenangebot des Spar-Supermarktes. Drei Tage später fuhren sie nach Wien in die Botschaft der Bundesrepublik Deutschland, anschließend kamen sie im Flüchtlingsauffanglager in Schöppingen unter.

Lichtschein auf der Straße

Als meine Mutter und ich uns im Mai 2018, fast 30 Jahre nach der Flucht, frühmorgens mit dem Auto auf den Weg in den Osten machen, sind wir beide aufgeregt und angespannt. Wir möchten in ihre Vergangenheit reisen und wissen nicht, was uns in den nächsten Tagen erwarten wird. Vor uns liegen insgesamt 2.500 km und wir haben nur eine Woche Zeit, um die Orte ihrer Kindheit, Jugend und der Flucht wiederzufinden.

Auf der Fahrt in den Osten Deutschlands halten wir am ehemaligen Grenzübergang bei Eisenach. Ein Ort, der für meine Mutter bis heute die ehemalige Trennung Deutschlands in Ost und West symbolisiert. Eine fast unüberwindbare Grenze inmitten dieser wunderschönen Landschaft. Heute unvorstellbar.

In Pirna und Goßdorf in der Sächsischen Schweiz kehren wir an die Orte ihrer Kindheit und Jugend zurück. Wir finden hier so vieles und doch so wenig, das an die vergangene Zeit in der DDR erinnert. In Ungarn und Österreich begeben wir uns auf die Suche nach den Orten der Flucht. Wir fahren auch nach Deutschkreutz, einem kleinen Dorf im Burgenland, das sich unmittelbar an der Grenze zu Ungarn befindet. Für meine Eltern bedeutete der Ort damals die langersehnte Freiheit.

Aufgeschlagenes Buch

Vieles hat sich in all den Jahren verändert. Vieles ist nicht mehr so, wie es in der Erinnerung meiner Mutter existierte. Und doch werden wir fündig. In den kleinen ungarischen Dörfern, durch die meine Eltern trampten, um der Grenze möglichst unbemerkt näher zu kommen. In dunklen Waldstücken, in denen sie sich versteckten. Auf Bahngleisen, die sie mitten in der Nacht kreuzten. Zwischen Weinstöcken, durch die sie vom Gewitter völlig durchnässt rannten.

Während der Reise beschreibt sie ihre Gedanken und Gefühle in Form eines Tagebuchs. Ich dokumentiere unsere Reise fotografisch. Aus der entstandenen Fotoserie, den Textausschnitten des Tagebuchs und persönlichen Dokumenten entsteht das Buch „Rübermachen“.

Die Idee, die Flucht meiner Eltern aus der DDR auf meine Weise zu verarbeiten, trage ich schon lange mit mir herum. Der Osten Deutschlands übte, seit ich denken kann, seine ganz eigene Faszination auf mich aus. Wenn ich als Kind mit meinen Eltern alljährlich über den ehemaligen Grenzübergang in Eisenach fuhr, um meine Großeltern in Pirna zu besuchen, überkam mich immer eine ganz besondere Stimmung: Eine Mischung aus kindlicher Aufregung und einem wohligen Heimatgefühl.

Trabant in der DämmerungFrau auf einem Balkon in der Dämmerung

Je älter ich wurde, desto mehr verschwand dieses Empfinden. Doch die große Affinität zur ehemaligen Heimat meiner Eltern blieb bestehen. Ich interessierte mich schon immer für die ehemalige Deutsche Demokratische Republik und das Leben, das meine Eltern dort führten.

Vor ein paar Jahren zeigte mir meine Mutter zum ersten Mal den Fluchtbrief, den sie kurz nach dem Ankommen in der BRD 1989 an ihre Familie schrieb. In ihm erklärt sie detailliert, wie die Flucht verlaufen ist. Er bildete auch die Inspiration und Grundlage für unsere gemeinsame Reise in die Vergangenheit.

Als ich meiner Mutter Ende 2017 von der Idee erzählte, ihre damalige Fluchtroute abzufahren, war sie gleich begeistert. Wenn sich die Gelegenheit bot, war sie zwar hin und wieder in Pirna gewesen, doch Ungarn und Österreich hatte sie das letzte Mal tatsächlich vor 30 Jahren gesehen. Nach dem Entkommen aus ihrer ehemaligen Heimat hatte sie die Orte ihrer Flucht also nie wieder besucht.

Zeitungsartikel

Mir wurde bewusst, dass diese Reise auch für mich eine einmalige Möglichkeit sein würde, dem Erlebten meiner Eltern ganz nah sein zu können. Die Aussicht darauf, Ereignisse aus einer längst vergangenen, heute unvorstellbaren Zeit, wieder ein Stück weit in Erinnerung rufen zu können, motivierte mich. Auch für meine Mutter sollte es eine Gelegenheit sein, sich vor Ort noch einmal an ihre eigene Geschichte zu erinnern, die Menschen wiederzutreffen, die ihnen damals geholfen hatten und das Erlebte zu verarbeiten.

Das Buch zur Reise entstand im Rahmen meiner Bachelorarbeit meines Kommunikationsdesignstudiums an der Hochschule Düsseldorf.


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Beginner Landscape Photography: 3 Steps for Getting Started

4:46:00 AM

One of the questions we get asked most frequently by beginners is: How do I get started in Landscape Photography?

That’s a somewhat broad question, but today, I’m going to take a stab at answering it. There are three simple steps to help you get started in Landscape Photography:

  1. Get the right photography equipment
  2. Learn to shoot
  3. Master post-processing

This article gives an overview of each of these steps…

Step #1: Get the Right Photography Equipment

First – and obviously – you need a camera with which to take a picture.

What kind of camera do I need?

Before you go out and spend tons of money on photography equipment, ask yourself what kind of landscape photographer you are. Are you just a beginner hoping to take some good photos on your next vacation? Or are you looking to pursue landscape photography as a serious hobby?

If you are just looking to take some good landscape photos on your next vacation, an inexpensive consumer-grade mirroless or a DSLR or a small point-n-shoot camera is just fine. If the conditions are right and you know what you’re doing, you can even take pretty decent landscape photos with a smart phone camera.

Varina pursuing landscape photography in Eagle Creek, Oregon

Varina photographing Punch Bowl Falls in Oregon

On the other hand, if you are going to get up at ungodly hours, put up with nasty weather, drive long distances, fight grizzly bears, and rescue the princess just to get the next great landscape photo… you’ll probably want a DSLR (Digital Single Lens Reflex) or Mirrorless camera.

Choose a company you feel you can trust and look for positive reviews online. If you want something a little better than the a consumer-level camera, you can consider investing in a mid-level DSLR or mirrorless camera. These cameras are a bit more rugged than your average consumer-level camera and fare better in harsh outdoor weather.

What camera lenses should I purchase?

You can spend more money on fancy lenses than on your camera body. However, for beginner landscape photography, we recommend purchasing a normal zoom lens. A focal range of about 24mm – 70mm on a full frame camera should work well for you. If you have a 1.5 or 1.6 crop factor camera (if you don’t know what that means, just check the camera specs or ask the seller) a 17mm – 40mm lens covers that range. A camera lens that covers a wider range works just fine, too.

A basic zoom lens has some limitations. You want something longer and faster for wildlife photography or something with close-focus capabilities for macro photography. A zoom lens allows you to explore concepts like depth of field and hyper focal distance – while getting some really nice shots. It works well for landscape photography and as a general purpose lens.

What other photography equipment do I need?

For landscape photography, you also need a tripod and a ball head. Light conditions vary dramatically throughout the day. And, if you are shooting early in the morning or late in the evening, low-light conditions make it necessary to keep your camera steady for long shutter speeds.

Beginner landscape photography with a Tripod and Ball Head from Oahu, Hawaii by Jay Patel

Beginner landscape photography equipment: A tripod and a ball head

Because you will be photographing the great outdoors (of course), we recommend you get a metal or carbon fiber tripod whose legs move independently of one another. These tripods are more rugged and hold the camera more securely than a plastic tripods. A ball-head with a quick-release latch allows you to easily take your camera off your tripod to make adjustments or to preview an image.

What about all those fancy filters and other stuff?

It’s true that we do carry a few filters (GND, ND, circular polarizer), a remote release, a back-up camera, and a variety of special camera lenses (macro, telephoto, etc.), but you don’t need them to get started in landscape photography. The more equipment you start with, the more confusing it iscto decide which pieces to use when you are shooting.

Having just one camera and one lens allows you to concentrate on understanding how to use your new equipment effectively.

Now that you have your brand new camera, lens, and tripod, you are ready to conquer the world of landscape photography. So, how do you go about taking a good photo? It’s time to learn how to use your landscape photography equipment.

Step #2: Learn to Shoot

You can learn to use your camera with the help of the Internet or by taking classes at a local photography club. Most photography classes start with a focus on composition, but we prefer to start out by teaching exposure.

Learn about camera exposure

If you are not familiar with ISO, aperture, and shutter speed, that’s where you should start. Get a book at the library (if books are too old-fashioned for you, there are plenty of eBooks that provide the information you need) – or check out basic photography classes at your local camera club.

How to get proper exposure using Histograms in Photography

Skills to master for Beginner Landscape Photography: How to use histograms on your camera.

I always encourage beginners landscape photographers to set their camera to manual mode and work to understand how ISO, aperture, and shutter speed work together. I also advise students to learn to use the histogram to determine the proper camera exposure for landscape photography. Technical skills take patience and practice – but once you understand them, they help you take great photos no matter the conditions. Learning camera exposure also teaches you to recognize light conditions that are suitable for taking a good photograph.

Get familiar with focus settings

Start by understanding the focusing settings and focus modes that are available on your camera. Your manual provides some basic information, but an internet search probably offers far more useful information. Find out how to adjust your focus point and how to use the Liveview focusing option if you have it, learn about different focus modes on your camera, and more.

Besides focus setting, there are lots of variables that can effect focus in your images… from using a tripod, to understanding aperture and depth of field and more. Take the time you need to practice different focusing techniques. You need these skills to get sharp landscape photos.

Learn about photography composition

Camera exposure and getting sharp focus are a technical skill grounded in math. Once you understand it, you’ll be able to use the principals for every image you create. Photography composition, on the other hand, is an artistic skill that has almost limitless potential… and it’s something you never stop learning.

Beginner landscape photography composition build around a waterfall in Oregon by Jay Patel

Beginner Landscape Photography: Learn to build a photo around your subject

Some beginner landscape photographers find artistic skills even more difficult to master than technical skills. Even those who are intuitively “artistic” find that their vision and understanding evolve over time. Do keep in mind that the “rules” of composition are not set in stone. Once you understand why they are useful, you can break them as often as you like. Remember – you are the artist. So, you make the rules.

Once you can control your camera exposure, understand how focus setting works, and you know a bit about photography composition, you are ready to try your hand at landscape photography. However, I highly recommend spending time with your photography equipment before you go on a workshop or head for a faraway, exotic location.

The next step for beginner landscape photography is to master post-processing.

Step #3: Master Post-Processing

Beginner landscape photographer should start by learning the differences between RAW, JPEG, and TIFF images. If you are not familiar with the world of post-processing, I would suggest you do some research and find out what options are available to you before you decide to spend time and money learning about processing tools.

Start with RAW processing

The first step in trying to learn processing is converting your RAW images to TIFF or JPEG. Most SLR cameras come with a RAW converter that you can use for conversion. In addition, there are lots of third-party RAW converters on the market. In many cases, they give you more options for converting a RAW landscape photo. Find out about your options and decide which RAW converter you want to use.

Once you select a RAW converter, try to analyze your image and decide what adjustments are necessary. Doing so helps you streamline your processing workflow. We use the histogram and our own memory of the scene to guide our adjustments.

Learn to make selective adjustments

The next step in beginner landscape photography is to be able to focus your adjustments to specific parts of the photo – rather than applying them indiscriminately. I’d suggest waiting to take this step until you are very comfortable with using the RAW converter.

While most RAW converters allow you to adjust specific areas of the RAW image with special controls, the workflow is often cumbersome and not very user-friendly. This is especially true if you are trying to make several targeted adjustments to a single image.  To make adjustments to specific parts of an image, you need software that allows you to draw selections and create layers and masks.

Landscape Photography Workflow in Photoshop using Layers & Masks by Jay Patel

Landscape Photography Workflow in Photoshop using Layers & Masks

What software should I use?

In today’s digital imaging era, RAW post-processing software options for beginner landscape photography are wide open. I recommend choosing a single post-processing software and getting to know its abilities before adding additional tools. Mastering Lightroom for beginner landscape photography is a great place to start.

I use Lightroom or Adobe RAW Converter for processing RAW images. Photoshop allows me to make targeted adjustments to my landscape photos. I make almost all my targeted adjustments with layers and masks in Photoshop.

Some beginner landscape photographers start out believing that they can just fix their errors in Photoshop. That attitude will make you a lazy photographer – and can often mean you’ll spend a lot more time in post, trying to make corrections that could have been avoided if you’d taken the time to do it right in the first place. Rather than relying on post-processing to make things right, challenge yourself to capture the scene in-camera. That won’t always be possible, but you’ll train yourself to recognize good light and make the most of your equipment.

With the right equipment and some basic post-processing skills, you can get out there and start exploring the natural world. Good luck – and bring back some fantastic photos!

Additional Resources

The field of landscape photography can be difficult to master because it involves both creativity and technical skills. In addition, a photographer’s development is often non-linear. Some may easily grasp the technical side of photography, while others pick up post-processing more quickly. Some are extremely creative, but have a difficult time with a more technical thought-process. This page provides you with tools to help you improve your photography development in each of these areas.

Example of landscape photography from all over the world.

Click to access Landscape Photography Guide for Beginners

About Author Jay Patel

I could startoff like this – “Seeds of Jay Patel’s appreciation for beautiful places were planted early in his childhood….” but it would get boring really fast. I will just sum it up and say that I am a Landscape and Wilderness Photographer who loves to capture dramatic light. My photographs have been published in various magazines, calendars and advertising materials throughout the world.
Patience is a virtue...unless you are chasing your dreams

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29. Juli 2019

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